VII FIBA // El agujero negro, por la Compañía Dejvické Divadlo

Dice Wikipedia (no necesito más precisión para acercarme a este tema) que un agujero negro “es una región finita del espacio-tiempo provocada por una gran concentración de masa en su interior, con enorme aumento de la densidad, lo que provoca un campo gravitatorio tal que ninguna partícula material, ni siquiera los fotones de luz, puede escapar de dicha región”. Pues bien, de eso se trata lo que esta compañía nos trae desde Praga: el bar de una estación de servicio en el medio de un desierto de Estados Unidos es ese agujero negro.
En ese bar se generarán unas pocas situaciones al cruzarse paisanos y forasteros: la moza, un policía, una pareja joven, un encuestador, una estrella de televisión y su representante. Pero las consecuencias de acontecer en un agujero negro distorsionan el tiempo y la materia, por lo que la escena se repetirá una y otra vez, cada vez más acelerada, con alteraciones que incluso modifican los cuerpos. Y quizás hasta los cuerpos se encaminen hacia su desintegración. Un último personaje, un hombre mayor que los antes nombrados y ajeno a ellos, que misteriosamente pasa por fuera del bar, podría significar la insoslayable discontinuidad entre ese bar y el afuera.
Pero podemos suponer que hay mucho más que una linda analogía entre temas cosmológicos y la estructura del relato. No parece aventurado sospechar que también se están planteando ciertas hipótesis sobre el teatro, porque como agujero negro, es decir, como región que –además de poseer un espacio como la sala teatral– tiene un tiempo propio que se altera, se podría pensar si no es el mismo teatro el que distorsiona la materia, impide dar cuenta desde afuera de sus acontecimientos, y genera una atracción de la que nada escapa. Además, aquí el teatro dice de sí mismo que avanza o circula (circula sería más justo) gracias a esas redefinidas copias sin verse amenazado, como si estuviera muy a gusto en ese espacio final donde se torna complejo, repitiéndose sin ser el mismo.
Esta creación colectiva abreva indudablemente de fuentes cinematográficas entre las que no resulta difícil vislumbrar a David Lynch y Quentin Tarantino. Y ese bar en una estación de servicio en medio de la nada del territorio norteamericano remite de inmediato al Bar B Q de El bosque petrificado (Archie Mayo, 1936), pues ambos están habitados momentáneamente por un catálogo mínimo de personajes yanquis que sintetizan las sociedades de sus respectivas épocas.
El agujero negro es una obra entretenida, tan divertida como extraña, inteligente, actuada con una precisión asombrosa, y que al abrirse a muy distintas lecturas se transforma en un material decididamente inquietante.

Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de El agujero negro en este link a Alternativa Teatral.

VII FIBA // Salsipuedes, de Cipriano Argüello Pitt

Los fondos de una casa pueblerina donde viven tres hermanas. Llega un hombre de visita; parece ser pretendiente de una de las hermanas. Pero entra otra de las hermanas con una gallina agarrada por las patas, colgando cabeza abajo, y comienza una competencia por ese varón. Vociferan, gesticulan con violencia. La gallina, que desconoce las intenciones de Cipriano Argüello Pitt, se asusta, se esfuerza inútilmente por liberarse, sacude sus alas.
Aunque no habrían pasado más de cinco minutos de iniciada la función, me levanto de mi butaca y me voy de la sala. No puedo esperar nada de alguien que expone a un animal a un maltrato para lograr un efecto de realismo en el escenario. Si el director no logra representar de otro modo lo cotidiano de esas mujeres, Salsipuedes, para mí, se terminó. Y terminó mal.

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VII FIBA // ATP, por la compañía Perro Rabioso

Un espacio de un blanco absoluto que se rompe con los cuerpos de tres intérpretes. Tres intérpretes neutros, mecánicamente obedientes a las órdenes que tienen escritas en sus respectivos listados, pegados sobre los laterales del espacio blanco. En cada serie tienen también una directiva sobre modificaciones en la indumentaria que van desde el sacarse una prenda o el calzado hasta estar totalmente desnudos. En cada serie se valen de micrófonos para generar sonidos (intervenidos en vivo) que nacen de sus movimientos y los animan. Una vez que la serie termina, vuelven a sus lugares originales, leen la nueva directiva, modifican su vestuario e inician la siguiente.
Ningún indicio da ATP de relato alguno. Esto es danza, danza pura, que plantea para sus intérpretes (Miguel Jaime, Mariana Marchesano y Santiago Turenne) una notable exigencia que bien resuelven, sumada al desafío de la intervención directa y simultánea del sonido que hace Francisco Lapetina. Un todo interesante en el que, sin embargo, la repetición de los momentos en que los artistas van al encuentro de sus instrucciones y se visten o desvisten se torna agobiante porque resulta en demasiado tiempo muerto. Y también suma en contra que la mirada de la directora, Tamara Cubas, no haya tenido en cuenta al espectador, pues se lo expone a una aridez con la que es imposible generar empatía alguna. Es decir: ATP es un trabajo técnicamente logrado, pero que parece levantar una y otra vez la cuarta pared para mantenernos lejos, muy lejos.
Un dato no menor: esta pieza montevideana se presentó en el páramo de Ciudad Cultural Konex, esa no-sala abierta y maltratadora en ese gran conventillo con pretensiones post industriales que no es menos abierto ni menos maltratador. Lo señalo porque indudablemente desapareció el quizás leve disfrute que se podría haber tenido de ATP en un espacio más respetuoso con el público.

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VII FIBA // El caso Danton, por el Teatr Polski

Un hombre en una bañera, su brazo derecho caído hacia fuera, su cabeza apoyada en su hombro derecho. Inevitable la asociación: es Marat, recién asesinado por Charlotte Corday, según lo ha instalado en nuestra imaginación el cuadro de Jacques-Louis David. Pero no, no está muerto. Y es Robespierre. Sin embargo, la imagen es un anuncio claro, porque todos van camino al baño de sangre, y en él morirán. Así comienza el espectáculo, exponiendo claramente que la locura ya está desatada.
Una escenografía hecha de cajas de cartón, madera y chapas nos propone una París pobre y precaria sobre la que pretende instalarse una implacable y definitiva justicia. El terror ya no se enseñorea en los palacios, sino que circula en los barrios bajos, oprimiendo también a los oprimidos de siempre. Y la revolución está en manos de quienes visten con elegancia y usan notables pelucas: parecería que ninguna clase dirigente ha salido del pueblo, y si alguna salió del pueblo, olvidó pronto su origen.
Estridente, vertiginosa, atroz y seductora, la puesta de este grupo que viene de Wroclaw, Polonia, ha sabido conjugar las contradicciones del período del Terror con una estética discordante pero potente en su elocuencia. Y el lucimiento indiscutible de un elenco que resiste todo, incluso la algo desmedida duración del espectáculo y ese innecesario y empobrecedor final, confuso, agónico, dilatado inútilmente, que obliga a hacer un esfuerzo para recordar las bondades de lo que aconteció hasta su desatinada irrupción.

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VII FIBA // Presentación del libro de la VI Edición del Premio Germán Rozenmacher de Nueva Dramaturgia

Miércoles 14, 16 horas, Centro Cultural Ricardo Rojas. Acto de presentación del volumen que incluye las obras ganadoras del Premio Germán Rozenmacher. Aunque la programación del FIBA anuncia la participación de Griselda Gambaro, Mauricio Kartun y Luis Cano (como miembros del jurado), y Rubén Szuchmacher y Alberto Ligaluppi (directores del FIBA), de estos sólo estuvo presente Szuchmacher junto a las autoras premiadas, Mariana Eva Pérez y Natalia Carmen Casielles, y el responsable del área teatro del Rojas, Matías Umpierrez. Luego se invitó a sumarse a quienes recibieron las menciones especiales, Flavia Gresores y Patricio Abadi.
Todos contentos, todas contentas. Y aquí no ha pasado nada. Pese a que pasaron varias cosas.
Si no leíste las notas que al respecto fueron aquí publicadas, hacé clic acá y enterate de las irregularidades con que fue elegida la obra ganadora, Peaje, de Pérez, y otro clic acá para leer la “respuesta” muy tardía que dio Viviana Cantoni (Directora General de Festivales y, por ende, responsable de la aplicación del reglamento del concurso) sobre el punto.

6º Argentino de Teatro // Programación

Del miércoles 4 al domingo 8 de noviembre se llevará a cabo el 6º Argentino de Teatro, festival organizado por la Secretaría de Cultura de la Universidad Nacional del Litoral.
La siguiente es la programación que ofrece esta edición del Argentino de Santa Fe.

Miércoles 4
20 hs.: Una tragedia argentina, de Daniel Dalmaroni. Dirección: Luis “Lito” Senkman. Producción 2008 de la Comedia UNL. En la Sala Maggi del Foro Cultural.
21:30 hs.: Ala de criados, escrita y dirigida por Mauricio Kartun. En la Sala Mayor del Teatro Municipal.

Jueves 5
20 y 23 hs.: Amor a tiros, con dramaturgia y dirección de Bernardo Cappa. En la Sala Maggi del Foro Cultural.
21:30 hs.: Lote 77, con dramaturgia y dirección de Marcelo Minino. En el Teatro de La Abadía.

Viernes 6
20 y 23 hs.: La temperatura, con dramaturgia y dirección de Gustavo Guirado. En la Sala Maggi del Foro Cultural.
21:30 hs.: Así da gusto, de y por Ana María Bovo. En la Sala Mayor del Foro Cultural.

Sábado 7
18 hs.: Bardo criollo, dramaturgia colectiva con dirección de Richard Riveiro. En el Centro Cultural Provincial.
20 y 23:30 hs.: La de Vicente López, con dramaturgia y dirección de Julio Chávez. En la Sala Marechal del Foro Cultural.
21:30 hs: El jardín de los cerezos, de Anton Chéjov, dirigida por Luciano Delprato. En la Sala Mayor del Foro Cultural.

Domingo 8
18 hs.: Payasadas, dramaturgia colectiva con dirección de Ricardo Sobral, En la Sala Mayor del Teatro Municipal.
20 hs.: Un simio oscuro, de María Rosa Pfeiffer, con dirección de Gustavo Azar. En la Sala Saer del Foro Cultural.
21:30 hs.: La muerte de Danton, de Georg Büchner, dirigida por Luciano Delprato. Producción 2009 de la Comedia UNL. En la Sala Maggi del Foro Cultural.

Otras actividades
Homenaje a Carlos Pais: Buenos amigos, de Carlos Pais (teatro leído). El jueves 5 a las 18 en la Sala Saer del Foro Cultural.
Homenaje a Oscar Fessler: proyección del documental Schiku. Oscar Fessler, biografía de un sembrador, de Ernesto Torchia. El viernes 6 a las 18 en la Sala Saer del Foro Cultural.
Charlas abiertas con los elencos y Critea (Asociación de Críticos Teatrales). Del jueves 5 al domingo 8 a las 10:30, en el entrepiso del Foro Cultural.

VII FIBA // Nursing. Elemental. Manual de procedimientos, de La Lid Teatro

Un acto multitudinario en el momento de máximo fervor que haya despertado el justicialismo. No es un acto del pueblo peronista: es un acto del pueblo, que es peronista. Tres enfermeras expectantes. Ellas, que se distinguen por sus uniformes, en medio del pueblo se saben pueblo. Tiempo envidiable cualquiera en el que el pueblo esté feliz de ser pueblo.
Aparece Evita y se les ilumina la cara: ellas la ven con los ojos del alma, la admiran, le agradecen, la aman. Es más: vemos a Eva gracias a como ellas la miran. La alegría las desborda, y no es para menos: en ese país nuevo, insospechado un decenio atrás, ser mujer y ser trabajadora tiene un significado
En el hospital, las tres enfermeras ocupan distintas jerarquías. No parece aventurado suponer que Garmendia es la que tiene más experiencia, pero que Teresa la ha superado en el escalafón sanitario por su reciente, profesional y moderna formación en la Escuela de Enfermeras que –nada es casual– fundó Evita. En tanto que Alicia está por recibirse, pero su calidad de novata no aminora sus bríos. Y lidiando en pequeñas internas entre ellas, tan pequeñas como el modo de doblar toallas, pasan sus días al servicio de la salud pública.
Hacia el final, la irrupción de momentos aciagos (con real resonancia histórica, como la muerte de Evita, aunque por demás dramáticos para el tono que venia desarrollándose) une a las tres en un vínculo inesperado: la competencia ha dejado paso a la solidaridad. Procedimiento tan de Perogrullo que no aparece en ningún manual.
María Fernanda Tarletta, Naty Díaz y Nora Cerro se presentan en escena como inagotables manantiales de propuestas en sus respectivas actuaciones. El largo trabajo de investigación que encararon para crear esta pieza las ha moldeado en profundidad, y el público lo agradece a cada momento porque a cada momento está recibiendo más de ellas. Es que, sin dudas, la mejor manera de contar una historia de enfermeras es contándola desde la entrega y la generosidad.

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VII FIBA // Il fait mauvais... llueve, de la Compañía Teodora Ciega Caníbal

Son cinco personas. No sabemos quiénes son ni qué hacen. Hay, evidentemente, una situación bélica como trasfondo. Aunque se escuchan palabras en francés, podría tratarse de cualquier guerra (la Civil Española, la Primera o la Segunda Mundial, la de los Balcanes) o de todas: no difieren entre ellas en el desamparo que provocan en la población, el miedo, lo cotidiano vaciado de sentido, la supervivencia más básica como fin ultimo. Y todas esas monstruosidades antihumanas provocan a su vez una permanente extrañeza en los cuerpos y en las reacciones de las víctimas, porque lo cultural queda arrasado por la circunstancia.
Son cinco personas que no pueden generar una acción que luego sea relatada (no pueden generarlo los personajes, por eso no lo generan los artistas en el escenario). Esto es pura materia, puros cuerpos, puros movimientos. Hay algo de realidad deforme y alarmante que no se nombra, porque es tan horrenda que no tiene nombre.
Oriunda de San Miguel de Tucumán, esta compañía asumió el doble desafío de una dramaturgia apenas sugerida y una puesta poco convencional. Así, el espectáculo descarga todo su peso en esos cinco cuerpos, los cuerpos de esas cinco personas que han asumido por igual la autoría, la interpretación y la dirección: Alejandro Garay, Diego Bernachi, Huerto Rojas Paz, María Dolores Robles y Mauricio Jorrat.

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VII FIBA // Blut!, una pareja de sangre, de Pata de Musa Teatro

Marta y Ernesto. Los une la sangre y los une la herencia. Herencia de sangre y herencia comercial: papá y mama les dejaron un restorán. Como si ya poco fuese lo que dejan papá y mamá, encima el boliche. Como en la cocina, un poco de esto y un poco de eso otro, un poco hijos, un poco hermanos, un poco esposos. Y en todos estos vínculos desbarrancan, se pierden, se molestan. Cosas de familia, ni más ni menos.
Con crueldad, humor e irreverencia, Esteban Goicoechea propone su texto como el lado de atrás de un tapiz: colores sin formas, hebras sueltas y nudos que sostienen el lado que debe ser visto, el presentable en sociedad. Y no hay manera de imaginar cómo será aquel viendo este.
El mismo autor protagoniza esta puesta –que viene de Rosario– junto a Paola Chávez, logrando ambos un intenso y siempre sorpresivo duelo.

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VII FIBA // La Comisión Central de la Infancia, de David Lescot

David Lescot aparece en medio de la boca del escenario, sentado en un taburete alto, una guitarra eléctrica a su lado. Con voz agradable y el respetable esfuerzo de hablar en un casi perfecto porteño con acento francés, nos cuenta de aquel emprendimiento que, finalizada la Segunda Guerra Mundial, concretaron los judíos comunistas para proteger y educar a los huérfanos que había dejado la contienda, niñas y niños que sobrevivieron al hambre, el frío y el desamparo. Funcionó en toda Francia, se llamó Comisión Central de la Infancia y basta con situarnos en 1945 para comprender la inmensidad de la tarea pero también la necesidad de pensar que era posible un mundo mejor para siquiera poder empezar cada mañana. Y esa ilusión permaneció por muchos años, alimentada por una esperanza obstinada y militante.
David Lescot nació en 1971. Sus veranos estuvieron marcados por las colonias de vacaciones de la Comisión. La experiencia infantil que se extendió hasta la adolescencia le ilumina ahora el rostro y endulza sus canciones. A quién no, alentado y acompañado en el camino hacia un futuro fraterno como lo estuvo él. Pero en 1988 se termina aquel sueño, y el último verano de la Comisión encuentra a Lescot con 17 años. Es el adiós definitivo a la infancia del futuro artista: las puertas de la juventud abren camino hacia la adultez. Es el adiós definitivo al trabajo de la Comisión Central de la Infancia: los falsos pregones de un mundo unipolar y sin ideologías ya comienzan a derribar los sueños de inclusión.
David Lescot no pretende ser más que un trovador que llega, cuenta algo maravilloso y aleccionador, ya casi legendario, y sigue su camino. Y qué bien que lo hace: con extrema economía de recursos, genera en el escenario todo lo necesario para dar vida a su relato, seductor y a la vez transmisor de la fuerte seducción de aquel idealismo que sostuvo por tantos años la bella tarea de la Comisión Central de la Infancia.

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